What a wonderful days!!~~ Sensei is a very nice Artist, we had a very good moment working with her! ^^
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Monday, May 14, 2012
Saturday, February 4, 2012
烏托邦中的鬼魂 : No Longer Human 腦作大業訪談
之前在OSAGE KT 的展覽 - [No Longer Human] , 去過了二次, 終於, 在[腦作大業]時, 跟其中二位藝術家來了次淺談. 是晚的交談是愉快的, 由必然要談的作品慨念至創作過程, 到三位藝術家的合作方法, 甚至周邊八卦, 至鬼魂及UFO. 做藝術的人, 大既腦袋都很天馬行空, 想像無窮無盡. 就好似叮噹的八寶袋? (笑)
是次展覽, 三者的作品都有一個共通的主題, 就是烏托邦, 一個不存在的理想國.
烏托邦 means
1-no place
2-good place
Nadim 的作品, 以泥沙為主要創作材料, 他作品刻意用上那種快消失/會消失的狀態, 有如烏托邦, 在我們心中, 似有還冇. 我們總希望有這個good place的存在, 又同時明白, 其實no place. 他的作品, 是一個用來作為分岔路的阻礙地為基礎, 想講的其實是距離.
Magdalen 相信 真實 及 美好的想像, 是同時存在人生中, 人類透過情感, 把大自然畫面化, 甚至浪漫化. 在加州長大的她, 把那些畫面一幕幕, 疑幻似真地表現在作品中: 在風中飛揚的膠袋, 猶如室外的室內, 到處的盆栽, 公路上的廣告版, 還有亂舞中悠悠長髲. 一切是人工的, 也是虛無的.
想知道更多詳細, 可前往[腦作大業]收聽.
恕愚昧, 我在之前沒有太認識辛波絲卡, 正如之前寫Louise Bourgeois, 也是臨急抱佛腳.. 先試讀以下的詩, 了解一下這位女詩人所認知的烏托邦.
悼辛波絲卡
這裡躺著，像逗點般，一個 舊派的人。她寫過幾首詩， 大地賜她長眠，雖然她生前 不曾加入任何文學派系。 她墓上除了這首小詩，牛蒡 和貓頭鷹外，別無其它珍物。 路人啊，拿出你提包裡的電腦， 思索一下辛波絲卡的命運。 ——〈墓誌銘〉(陳黎譯)
"I like being near the top of a mountain. One can't get lost here."
- Wislawa Szymborska (1923 - 2012)
烏托邦 ◎Wislawa Szymborska 譯│印卡
什麼都清晰起來的小島
你腳下的堅土
只要是路就是通途
... 灌木叢因證據的重量下彎
斯長於此，合理猜想之樹
太古以來便舒展著枝擺
理解之樹，閃爍著率直而樸質
在名為「我理解」的泉水旁拔芽而出
樹林越深鬱，遠景就越浩翰
──那顯而易見地的山谷
假若任何猜疑升起，陣風就會瞬間將之驅散
回音擾動未顯現的秘密
熱切地解釋世界所有的奧秘
在右邊是意義藏身的洞窟
在左邊是深信之名的湖
從底部真理爆涌而出，往表面上下晃著
不可動搖的信任聳立在山谷
它的頂峰提供事物本質的優秀觀點
因為它所有的魅力，這個島嶼無人居住
散步在它的沙灘上模糊的足跡
沒有例外地轉向海洋
彷彿你們在這裡可以做的就是離開
以及毫不回頭跳進深淵
跳進深不可測的人生
是次展覽, 三者的作品都有一個共通的主題, 就是烏托邦, 一個不存在的理想國.
烏托邦 means
1-no place
2-good place
Nadim 的作品, 以泥沙為主要創作材料, 他作品刻意用上那種快消失/會消失的狀態, 有如烏托邦, 在我們心中, 似有還冇. 我們總希望有這個good place的存在, 又同時明白, 其實no place. 他的作品, 是一個用來作為分岔路的阻礙地為基礎, 想講的其實是距離.
Magdalen 相信 真實 及 美好的想像, 是同時存在人生中, 人類透過情感, 把大自然畫面化, 甚至浪漫化. 在加州長大的她, 把那些畫面一幕幕, 疑幻似真地表現在作品中: 在風中飛揚的膠袋, 猶如室外的室內, 到處的盆栽, 公路上的廣告版, 還有亂舞中悠悠長髲. 一切是人工的, 也是虛無的.
想知道更多詳細, 可前往[腦作大業]收聽.
恕愚昧, 我在之前沒有太認識辛波絲卡, 正如之前寫Louise Bourgeois, 也是臨急抱佛腳.. 先試讀以下的詩, 了解一下這位女詩人所認知的烏托邦.
悼辛波絲卡
這裡躺著，像逗點般，一個 舊派的人。她寫過幾首詩， 大地賜她長眠，雖然她生前 不曾加入任何文學派系。 她墓上除了這首小詩，牛蒡 和貓頭鷹外，別無其它珍物。 路人啊，拿出你提包裡的電腦， 思索一下辛波絲卡的命運。 ——〈墓誌銘〉(陳黎譯)
"I like being near the top of a mountain. One can't get lost here."
- Wislawa Szymborska (1923 - 2012)
烏托邦 ◎Wislawa Szymborska 譯│印卡
什麼都清晰起來的小島
你腳下的堅土
只要是路就是通途
... 灌木叢因證據的重量下彎
斯長於此，合理猜想之樹
太古以來便舒展著枝擺
理解之樹，閃爍著率直而樸質
在名為「我理解」的泉水旁拔芽而出
樹林越深鬱，遠景就越浩翰
──那顯而易見地的山谷
假若任何猜疑升起，陣風就會瞬間將之驅散
回音擾動未顯現的秘密
熱切地解釋世界所有的奧秘
在右邊是意義藏身的洞窟
在左邊是深信之名的湖
從底部真理爆涌而出，往表面上下晃著
不可動搖的信任聳立在山谷
它的頂峰提供事物本質的優秀觀點
因為它所有的魅力，這個島嶼無人居住
散步在它的沙灘上模糊的足跡
沒有例外地轉向海洋
彷彿你們在這裡可以做的就是離開
以及毫不回頭跳進深淵
跳進深不可測的人生
Saturday, August 27, 2011
Felix Gonzalez-Torres
Felix Gonzalez-Torres
“Untitled” (Perfect Lovers)
Clocks, paint on wall
1991
Felix Gonzalez-Torres
“Untitled”
Screenprint on paper, 161 stacked sheets
1991
This Week’s Artist: Félix González-Torres
Felix Gonzalez-Torres (1957-1996) was a Cuban artist who grew up in Puerto Rico before moving to New York City. Gonzalez-Torres had his first one-man exhibition at Andrea Rosen Gallery in 1990, where he continued to show his work until his death of AIDS related complications. The estate of Felix Gonzalez-Torres is represented by Andrea Rosen Gallery, N.Y.
His work was the focus of several major museum solo exhibitions in his lifetime and after his death. Retrospectives of his work have been organized by the Solomon R. Guggenheim Museum in New York (1995), the Sprengel Museum in Hannover, Germany (1997), and the Serpentine Gallery in London (2000).
Gonzalez-Torres was known for his quiet, minimal installations and sculptures. Using materials such as strings of lightbulbs, clocks, stacks of paper, or packaged hard candies, Felix Gonzalez-Torres’s work is sometimes considered a reflection of his experience with AIDS. Many of Gonzalez-Torres’s installations invite the viewer to take a piece of the work with them: a series of works allow viewers to take packaged candies from a pile in the corner of an exhibition space, while another series is comprised of stacks of ultrathin sheets of clear plastic or unlimited edition prints, also free for the viewer to take. These installations are replenished by the exhibitor as they diminish. The most pervasive reading of Gonzalez-Torres’s work takes the processes his works undergo (lightbulbs expiring, piles of candies dispersing, etc.) as metaphor for the process of dying. One of his most recognizable works, Untitled(1992) is a billboard put up in New York City of a monochrome photograph of an unoccupied bed, made after the death of his lover, Ross, to AIDS.
In one interview, he said “When people ask me, ‘Who is your public?’ I say honestly, without skipping a beat, ‘Ross.’ The public was Ross. The rest of the people just come to the work.”
Source from : http://weeklyartist.tumblr.com/search/felix
His work was the focus of several major museum solo exhibitions in his lifetime and after his death. Retrospectives of his work have been organized by the Solomon R. Guggenheim Museum in New York (1995), the Sprengel Museum in Hannover, Germany (1997), and the Serpentine Gallery in London (2000).
Gonzalez-Torres was known for his quiet, minimal installations and sculptures. Using materials such as strings of lightbulbs, clocks, stacks of paper, or packaged hard candies, Felix Gonzalez-Torres’s work is sometimes considered a reflection of his experience with AIDS. Many of Gonzalez-Torres’s installations invite the viewer to take a piece of the work with them: a series of works allow viewers to take packaged candies from a pile in the corner of an exhibition space, while another series is comprised of stacks of ultrathin sheets of clear plastic or unlimited edition prints, also free for the viewer to take. These installations are replenished by the exhibitor as they diminish. The most pervasive reading of Gonzalez-Torres’s work takes the processes his works undergo (lightbulbs expiring, piles of candies dispersing, etc.) as metaphor for the process of dying. One of his most recognizable works, Untitled(1992) is a billboard put up in New York City of a monochrome photograph of an unoccupied bed, made after the death of his lover, Ross, to AIDS.
In one interview, he said “When people ask me, ‘Who is your public?’ I say honestly, without skipping a beat, ‘Ross.’ The public was Ross. The rest of the people just come to the work.”
Source from : http://weeklyartist.tumblr.com/search/felix
Saturday, August 20, 2011
文化報導 / 藝術：彼得．多依格 Peter Doig
Photography / 蘇富比
迷失－彼得．多依格 Peter Doig的魔幻世界
感受身心精神上的震盪
2009年02月03日 Update │ Art │
一艘白色獨木舟在夜裡獨自發光，停駐在寧靜的湖中央，枯枝、樹木、月光、星空、雲霧、光影將夜點綴得燦爛繽紛，眼前所有的一切彷彿隨著呼吸在飄動著，唯有那艘白色獨木舟和它的倒影靜靜的、孤獨的停留在水平線上，此時你是否已被迷亂的光芒與斑斕的色彩所攝住，這奇異且魔幻的視覺感受是否曾出現在夢境中？
2007年2月在紐約蘇富比當代藝術拍賣前夕，我佇立在彼得．多依格 (Peter Doig) 1990-1991年所作的《白色獨木舟》 (White Canoe) 前 （圖一），遲遲無法移動我的腳步，該說是被畫作吞噬？還是迷失於其中？當時的我已分不清楚。我想這就是多依格的魔法；一種有如魔幻般獨特的創作手法。
此幅畫作在次日的夜間拍賣，以預估價的七倍價錢拍出；573萬英鎊/1128萬美元 (約新台幣3億6105萬元），如此天價不僅創下了藝術家個人紀錄也是當時歐洲在世藝術家最高拍賣金額。
多依格曾表示：「我喜歡混和影像，它們給予我更多創作的空間。我所使用的照片並不一定是特別有趣或突出的，畫面通常都是經過謹慎的布局與安排。對我來說繪畫是需要突破視覺上所接收到的表相，將片段融入創作的世界，迷失於其中..... 在迷失之餘，你方能感受其帶給你身心及精神上的震盪...」(擷取並翻譯自：Exhibition Catalogue, Berlin, Contemporary Fine Arts; London, Victoria Miro Gallery, Peter Doig: Blotter, 1995, p. 10)
多依格的作品靈感來源是由週邊蒐集的影像及腦海中的印象拼接組合而成。許多是來自於他個人的攝影作品、所觀賞的電影、音樂專輯的封面和收集的海報等，甚至幼時記憶中的片段影像，透由這些點漸漸延伸、重疊、交融…
1959年出生於蘇格蘭愛丁堡的彼得．多依格，兩歲時舉家移居加拿大，成年後回到英國倫敦分別在溫布頓藝術學院 (Wimbledon School of Art), 聖馬丁藝術學院 (St Martin's School of Art) 以及切爾西藝術學院 (Chelsea School of Art) 學習，在此他停留了23年從事創作，一直到5年前再度移居回加拿大。
現年49歲的多依格已是歐洲在世當代藝術家最高拍賣紀錄的保持人，1994年入圍英國「泰納獎」 (Turner Prize)，2008年英國泰德美術館 (Tate Britain) 與法國巴黎現代美術館 (Museum of Modern Art) 分別為他舉辦名為《彼得．多依格》的個人回顧展。
Monday, April 25, 2011
Bracha Ettinger
Bracha Ettinger was the artist/theorist/psychoanalyst
"an opening of multiplied occurrence happens at once within a space of subjects."
http://nowfroth.blogspot.com/2009/10/eurydice-bracha-ettinger.html
Bracha Ettinger was the artist/theorist/psychoanalyst I mentioned in class, and there is a good section on her work in a book by the art historian/cultural analyst Griselda Pollock, 'Encounters in the Virtual Feminist Museum: Time, space and the archive' (Routeledge, 2007), which is in itself eerily relevant to lots of what we seem to be talking about in class.
The myth of Orpheus and Eurydice is central to Ettinger's work, she posits a distinction between an 'Orphic' and a 'Matrixial' gaze in the art-viewing experience: as we look back (in time), like Orpheus looked behind him in the myth, we consign Eurydice (the viewed subject) to objectivity, abandoned at the mouth of Hell. Ettinger's series entitled 'Eurydice' (1994-8) uses photographs (sometimes of her mother, for example as a young woman in Lodz in 1937-8), which she photocopies, interrupting the copying process so the photocopic dust does not fix to the paper. Crucial to her theory (the bit I forgot) of ''reconnaissance'', a word which the artist splits up into its constituent parts (re-co-naissance), a 'co-re-birthing' of subjectivity, Ettinger then uses tiny horizontal brush strokes of coloured paint to 'join up' the gaps in the dust, to build a a membrane between the image looking out, and the gaze of the viewer. Pollock says it better: "colour in its vibration creates space, and the space it creates becomes an affective threshold that reaches out to embrace the viewer in a thickening of what lies between viewer and image, now and then/m, that binds seer and seen, world and subject, image and psyche.''
The Matrixial gaze (as an alternative to the Orphic aggression of looking as possessing), is an idea which is linked to Levinas' idea of 'matrixial painting', and to say it with Pollock once again, it is related to a way of looking in which "our unsighted eyes become what she [Ettinger] calls 'erotic aerials' of the psyche.''
"an opening of multiplied occurrence happens at once within a space of subjects."
http://nowfroth.blogspot.com/2009/10/eurydice-bracha-ettinger.html
Bracha Ettinger was the artist/theorist/psychoanalyst I mentioned in class, and there is a good section on her work in a book by the art historian/cultural analyst Griselda Pollock, 'Encounters in the Virtual Feminist Museum: Time, space and the archive' (Routeledge, 2007), which is in itself eerily relevant to lots of what we seem to be talking about in class.
The myth of Orpheus and Eurydice is central to Ettinger's work, she posits a distinction between an 'Orphic' and a 'Matrixial' gaze in the art-viewing experience: as we look back (in time), like Orpheus looked behind him in the myth, we consign Eurydice (the viewed subject) to objectivity, abandoned at the mouth of Hell. Ettinger's series entitled 'Eurydice' (1994-8) uses photographs (sometimes of her mother, for example as a young woman in Lodz in 1937-8), which she photocopies, interrupting the copying process so the photocopic dust does not fix to the paper. Crucial to her theory (the bit I forgot) of ''reconnaissance'', a word which the artist splits up into its constituent parts (re-co-naissance), a 'co-re-birthing' of subjectivity, Ettinger then uses tiny horizontal brush strokes of coloured paint to 'join up' the gaps in the dust, to build a a membrane between the image looking out, and the gaze of the viewer. Pollock says it better: "colour in its vibration creates space, and the space it creates becomes an affective threshold that reaches out to embrace the viewer in a thickening of what lies between viewer and image, now and then/m, that binds seer and seen, world and subject, image and psyche.''
The Matrixial gaze (as an alternative to the Orphic aggression of looking as possessing), is an idea which is linked to Levinas' idea of 'matrixial painting', and to say it with Pollock once again, it is related to a way of looking in which "our unsighted eyes become what she [Ettinger] calls 'erotic aerials' of the psyche.''
Bracha Ettinger 'Matrixial Borderline' Polyptych, 4 Panels With 25 Elements Mixed Media on Paper, Plaxiglas, Metal, 160 x 35 cm, 1990-1991
Bracha Ettinger 'View of Installation, Pompidou Centre, 1996
Bracha Ettinger , overview of solo exhibition at Freud Museum, London 2009
Bracha Ettinger 'View of Installation, Pompidou Centre, 1996
Wednesday, February 9, 2011
杉本博司
日本攝影師杉本博司讓動物標本“活”過來
國家/地區 : 日本/---
投稿日期 : 2009/7/13
來源部門 : 新華網
專稿來源 : 廣州日報
記者 許珍
日本當代攝影名家輩出，但杉本博司的作品尤其獨樹一幟。這位今年61歲的攝影師將鏡頭對準自然歷史博物館、老式影劇院以及世界各地廣闊無垠的大海，呈現出一幅幅冷靜淩厲的作品，黑白的影像世界于寧靜無聲處震撼人心。他的作品橫掃國際各大拍賣會，創下的亞洲當代攝影拍賣紀錄至今尚無人能超越。英國《泰晤士報》公佈20世紀200位最偉大藝術家排行榜中，他是日本4位上榜藝術家中唯一在世的攝影家。記者採訪了日本藝術研究專家中國人民大學藝術學院副教授潘力，聽他講述杉本博司獨具風格的藝術魅力。
杉本博司，1970年畢業于東京日本立教大學經濟系，1972年畢業於美國三藩市藝術中心設計學院，1974年赴美國紐約進行攝影創作。至今，杉本博司共發表了13組的系列攝影作品。
三個名系列內在聯繫是“時間”
杉本博司至今為止最著名的攝影作品是三個從上世紀70年代開始拍攝、並持續至今的系列，《紐約自然博物館系列》、《劇院系列》以及近年來他最為人所熟知的《海景系列》。三個系列看似毫無關係，其實卻有著內在的關聯。近日，在接受潘力教授電話採訪時杉本博司表示“三個系列的內在聯繫就是‘時間’，這就是我要表達的概念，也是我全部作品的基本構思。”
“‘自然博物館系列’是過去的時間，‘劇院系列’是片斷的時間，‘海景系列’是永恆的時間。”杉本博司對潘力教授說。除此，杉本博司還在世界各地拍攝幾乎可以以假亂真的《蠟像館系列》，古巴領袖卡斯楚、英國已故王妃戴安娜、巴勒斯坦前領導人阿拉法特等，看似真人，實則都是各地蠟像館裏的塑像。
《劇院系列》之一
《劇院系列》：讓人仿佛看到“上帝”
從1970年代後期開始，杉本博司遍尋美國各地遺留的20世紀初期的老式影劇院，在放映電影時，他始終保持相機快門的開啟狀態，對著銀幕拍攝，這種長達兩小時曝光時間的拍攝方式使老劇院的螢幕成為一塊純粹的白色發光體，而螢幕周圍影院靜止不動的細節則得以絲縷畢現地留存在影像中。“杉本博司通過銀幕這一載體將時間的流逝形象化了，他將這稱為‘被曝光的時間’。畫面中耀眼的白光產生出一種神話般的輝映，老式影劇院內部的各種豪華裝飾在它的映照下，如同淒美的廢墟一般具有歷史感。”潘力分析道。杉本博司在一次受訪時提到，在一回展覽開幕時，一個女孩竟在他的《劇院系列》作品前吟唱起聖歌，那女孩跟他說在作品中，那一無所有、泛著一片亮光的電影螢幕中，她仿佛看見了上帝。
《紐約自然博物館系列》之一，讓人恍惚以為是在海底世界實拍的。
自然博物館系列：影像足以以假亂真
最初使杉本博司在國際藝術界為人所知的就是他從1970年代中期開始拍攝的《紐約自然博物館系列》，他使用大型相機，鏡頭追求的遠不是這些動物模型的簡單再現，而是致力於對攝影語言的開掘。在他的鏡頭下，這些靜止的動物模型不可思議地呈現出生息狀態，混沌未開的蒼茫原野在他的鏡頭裏傳達出震撼人心的力量，影像悠遠而意味深長。足以以假亂真，於是這些影像看起來如此迫近又令人感覺非常不安。
這張《海景系列》作品之一“博登海”也被U2樂隊選做唱片封面。
《海景系列》：祖先也曾看到的景象
而令杉本博司最為人所知的還是他從1980年代開始拍攝的《海景系列》。他的足跡遍佈世界各地，鏡頭對準大海，並一反構圖規則將天空和大海的交界線置於畫面中央，除了海天沒有任何其他多餘景物，畫面簡練到極點。然而，在數十張同樣構圖的影像中，杉本博司著力表現空氣的密度、波紋的形狀、水色的濃淡、光的作用等極細微的變化，使看似雷同的作品產生出一種超越時間干擾的永恆力量。杉本博司曾經自問：“現代人是否可能看到和百年前的祖先所見的相同景象？”而如果可能，“他所看到的會是什麼？”於是他想到了大海。早在人們存在之前，水與空氣就已經存在于大海之中，杉本博司想像自己變成他的祖先，在第一次面對大海時，為大海命名的心情，《海景系列》自此而生。
《海景系列》賣得最貴
儘管處事有著日本人一貫的謹慎和低調，杉本博司卻是各大國際拍賣行最為青睞的攝影紅人。從1974年初涉攝影至今，他的作品價位一路走高，在各大國際拍賣行在紐約、倫敦的夜拍中，他是唯一作品被納入其中的日本攝影師。在前年5月16日紐約佳士得“戰後與當代藝術”夜拍裏，他的作品《黑海，歐羅呂塞／黃海，濟州島／紅海，撒法加》三聯作拍出188.8萬美元，所創下的亞洲當代攝影最高價紀錄至今尚無人能超越。
儘管杉本博司的《海景系列》作品看起來像毫無任何技術性可言，像極一般風景快照，但卻是他所有創作中，最為費時且困難度最高的作品，也是他的所有系列作品中，賣得最貴的一個系列。在公開拍賣紀錄中，《海景系列》即占了十大高價中的七位。
杉本博司的作品也受到很多其他領域藝術家的青睞。叱吒搖滾樂壇30年的愛爾蘭樂隊U2今年推出的最新大碟《No Line on the Horizon》，就將杉本博司《海景系列》作品之一“博登海”選做唱片的封面。此前2006年，實驗電子音樂家Richard Chartier 和Taylor Deupree推出的專輯也選取了這張照片作為封面。
最喜歡南宋畫家馬遠的作品
潘力教授曾留學日本，從上世紀90年代至今，他一直關注和研究日本美術的歷史和動態。在他看來，杉本博司的作品非常細膩、精緻，既有現代的表達，又深刻體現著日本傳統文化的審美底蘊。這也是中國當代藝術家值得借鑒的。
在接受潘力採訪時，杉本博司表示東方文化傳統的確對他的創作有著深刻的影響。“我很喜歡中國的宋代山水畫，特別是南宋畫家馬遠的作品。儘管已經是很久以前的事情了，但你也許還可以在我今天的作品中看到他的影響。宋代有北宋與南宋之分，北宋的山水畫比較厚重、大氣，和後來的潑墨山水有些接近。南宋的山水畫比較單純，幾乎是單色的，但對局部風景的細緻描寫，表達出來的意境卻更加深遠。當然，由於長年在海外工作和生活，我現在的作品也融匯了西方的審美意識。可以說是東西方文化的結合。”此外，杉本博司的作品幾乎全部是單純的黑白色調，說到這個問題時，杉本博司以水墨畫的墨色為例表示黑白攝影毋庸置疑要比彩色攝影表現力大得多。雖然對中國古代繪畫非常熟悉，但至今杉本博司去過臺灣和香港，尚未來過內地。他拍過世界上很多地方的海，也知道中國有很長的海岸線，“我非常希望能去拍中國的大海。”他說。
Art 21 web site: http://www.pbs.org/art21/series/seasonthree/memory.html
國家/地區 : 日本/---
投稿日期 : 2009/7/13
來源部門 : 新華網
專稿來源 : 廣州日報
記者 許珍
日本當代攝影名家輩出，但杉本博司的作品尤其獨樹一幟。這位今年61歲的攝影師將鏡頭對準自然歷史博物館、老式影劇院以及世界各地廣闊無垠的大海，呈現出一幅幅冷靜淩厲的作品，黑白的影像世界于寧靜無聲處震撼人心。他的作品橫掃國際各大拍賣會，創下的亞洲當代攝影拍賣紀錄至今尚無人能超越。英國《泰晤士報》公佈20世紀200位最偉大藝術家排行榜中，他是日本4位上榜藝術家中唯一在世的攝影家。記者採訪了日本藝術研究專家中國人民大學藝術學院副教授潘力，聽他講述杉本博司獨具風格的藝術魅力。
杉本博司，1970年畢業于東京日本立教大學經濟系，1972年畢業於美國三藩市藝術中心設計學院，1974年赴美國紐約進行攝影創作。至今，杉本博司共發表了13組的系列攝影作品。
三個名系列內在聯繫是“時間”
杉本博司至今為止最著名的攝影作品是三個從上世紀70年代開始拍攝、並持續至今的系列，《紐約自然博物館系列》、《劇院系列》以及近年來他最為人所熟知的《海景系列》。三個系列看似毫無關係，其實卻有著內在的關聯。近日，在接受潘力教授電話採訪時杉本博司表示“三個系列的內在聯繫就是‘時間’，這就是我要表達的概念，也是我全部作品的基本構思。”
“‘自然博物館系列’是過去的時間，‘劇院系列’是片斷的時間，‘海景系列’是永恆的時間。”杉本博司對潘力教授說。除此，杉本博司還在世界各地拍攝幾乎可以以假亂真的《蠟像館系列》，古巴領袖卡斯楚、英國已故王妃戴安娜、巴勒斯坦前領導人阿拉法特等，看似真人，實則都是各地蠟像館裏的塑像。
《劇院系列》之一
《劇院系列》：讓人仿佛看到“上帝”
從1970年代後期開始，杉本博司遍尋美國各地遺留的20世紀初期的老式影劇院，在放映電影時，他始終保持相機快門的開啟狀態，對著銀幕拍攝，這種長達兩小時曝光時間的拍攝方式使老劇院的螢幕成為一塊純粹的白色發光體，而螢幕周圍影院靜止不動的細節則得以絲縷畢現地留存在影像中。“杉本博司通過銀幕這一載體將時間的流逝形象化了，他將這稱為‘被曝光的時間’。畫面中耀眼的白光產生出一種神話般的輝映，老式影劇院內部的各種豪華裝飾在它的映照下，如同淒美的廢墟一般具有歷史感。”潘力分析道。杉本博司在一次受訪時提到，在一回展覽開幕時，一個女孩竟在他的《劇院系列》作品前吟唱起聖歌，那女孩跟他說在作品中，那一無所有、泛著一片亮光的電影螢幕中，她仿佛看見了上帝。
《紐約自然博物館系列》之一，讓人恍惚以為是在海底世界實拍的。
自然博物館系列：影像足以以假亂真
最初使杉本博司在國際藝術界為人所知的就是他從1970年代中期開始拍攝的《紐約自然博物館系列》，他使用大型相機，鏡頭追求的遠不是這些動物模型的簡單再現，而是致力於對攝影語言的開掘。在他的鏡頭下，這些靜止的動物模型不可思議地呈現出生息狀態，混沌未開的蒼茫原野在他的鏡頭裏傳達出震撼人心的力量，影像悠遠而意味深長。足以以假亂真，於是這些影像看起來如此迫近又令人感覺非常不安。
這張《海景系列》作品之一“博登海”也被U2樂隊選做唱片封面。
《海景系列》：祖先也曾看到的景象
而令杉本博司最為人所知的還是他從1980年代開始拍攝的《海景系列》。他的足跡遍佈世界各地，鏡頭對準大海，並一反構圖規則將天空和大海的交界線置於畫面中央，除了海天沒有任何其他多餘景物，畫面簡練到極點。然而，在數十張同樣構圖的影像中，杉本博司著力表現空氣的密度、波紋的形狀、水色的濃淡、光的作用等極細微的變化，使看似雷同的作品產生出一種超越時間干擾的永恆力量。杉本博司曾經自問：“現代人是否可能看到和百年前的祖先所見的相同景象？”而如果可能，“他所看到的會是什麼？”於是他想到了大海。早在人們存在之前，水與空氣就已經存在于大海之中，杉本博司想像自己變成他的祖先，在第一次面對大海時，為大海命名的心情，《海景系列》自此而生。
《海景系列》賣得最貴
儘管處事有著日本人一貫的謹慎和低調，杉本博司卻是各大國際拍賣行最為青睞的攝影紅人。從1974年初涉攝影至今，他的作品價位一路走高，在各大國際拍賣行在紐約、倫敦的夜拍中，他是唯一作品被納入其中的日本攝影師。在前年5月16日紐約佳士得“戰後與當代藝術”夜拍裏，他的作品《黑海，歐羅呂塞／黃海，濟州島／紅海，撒法加》三聯作拍出188.8萬美元，所創下的亞洲當代攝影最高價紀錄至今尚無人能超越。
儘管杉本博司的《海景系列》作品看起來像毫無任何技術性可言，像極一般風景快照，但卻是他所有創作中，最為費時且困難度最高的作品，也是他的所有系列作品中，賣得最貴的一個系列。在公開拍賣紀錄中，《海景系列》即占了十大高價中的七位。
杉本博司的作品也受到很多其他領域藝術家的青睞。叱吒搖滾樂壇30年的愛爾蘭樂隊U2今年推出的最新大碟《No Line on the Horizon》，就將杉本博司《海景系列》作品之一“博登海”選做唱片的封面。此前2006年，實驗電子音樂家Richard Chartier 和Taylor Deupree推出的專輯也選取了這張照片作為封面。
最喜歡南宋畫家馬遠的作品
潘力教授曾留學日本，從上世紀90年代至今，他一直關注和研究日本美術的歷史和動態。在他看來，杉本博司的作品非常細膩、精緻，既有現代的表達，又深刻體現著日本傳統文化的審美底蘊。這也是中國當代藝術家值得借鑒的。
在接受潘力採訪時，杉本博司表示東方文化傳統的確對他的創作有著深刻的影響。“我很喜歡中國的宋代山水畫，特別是南宋畫家馬遠的作品。儘管已經是很久以前的事情了，但你也許還可以在我今天的作品中看到他的影響。宋代有北宋與南宋之分，北宋的山水畫比較厚重、大氣，和後來的潑墨山水有些接近。南宋的山水畫比較單純，幾乎是單色的，但對局部風景的細緻描寫，表達出來的意境卻更加深遠。當然，由於長年在海外工作和生活，我現在的作品也融匯了西方的審美意識。可以說是東西方文化的結合。”此外，杉本博司的作品幾乎全部是單純的黑白色調，說到這個問題時，杉本博司以水墨畫的墨色為例表示黑白攝影毋庸置疑要比彩色攝影表現力大得多。雖然對中國古代繪畫非常熟悉，但至今杉本博司去過臺灣和香港，尚未來過內地。他拍過世界上很多地方的海，也知道中國有很長的海岸線，“我非常希望能去拍中國的大海。”他說。
Art 21 web site: http://www.pbs.org/art21/series/seasonthree/memory.html
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